Les commentaires suscités par l’exposition de Depardon à la BNF: retour vers le XIXème siècle

J’ai bien aimé les photographies de Depardon exposées à la B.N.F.
Ceux qui connaissent mon travail sur Issy les Moulineaux n’en seront pas surpris.

Issy les Moulineaux Ile saint Germain Photographie Thierry Dehesdin

http://www.issy.dehesdin.com/
http://www.dehesdin.com/livre/1.html
http://www.dehesdin.com/Tiru/index.html (montage sonorisé)

Je me demande si en scannant ses plans films, le labo n’a pas eu la main un peu lourde sur le renforcement de la netteté. Cependant, le résultat est intéressant. Il y a du numérique dans le rendu de ces tirages qui mettent en évidence l’association des 2 univers: l’argentique et le numérique.
Le dispositif de l’exposition est réussi. Des tirages géants, sans légende, tapissent la salle et créent un lien très fort entre des images qui n’ont pourtant rien d’autres en commun que d’être des images de la France vue par Raymond Depardon.

Mais ce dont je voulais parler dans ce fil, ce sont des réactions qui ont été suscitées par cette exposition et qui renvoient, me semble-t-il, à l’essence même de la photographie.

Un grand nombre de commentaires élogieux fonctionnent sur un mode binaire.
D’un coté on souligne “les images aux sujets délibérément banals”, et de l’autre on procède à une description du “travail”, que ces images ont nécessité, comme s’il fallait sanctifier cette banalité apparente des sujets et de leur traitement photographique par les efforts de leur auteur:
“Il faut un art très puissant bien que très discret pour parvenir à ce résultat, il faut aussi du travail, beaucoup de travail.” Comme si l’apport de Depardon était tellement discret et cette “banalité” tellement dérangeante que c’était dans l’effort du créateur qu’il fallait chercher le signe de la création artistique. Les commentaires insistent sur “le long processus de choix, des lieux, des cadres, des tirages, le sens et l’enjeu des décisions techniques”,
“Comme en témoignent ses cahiers de repérages et ses cartes annotées, étape après étape, son tour de France en cinq ans et 70.000 km est une odyssée moderne. De sa folle récolte de 6000 négatifs”
On évoque aussi abondamment l’utilisation d’un appareil spectaculaire et compliqué:
“Raymond Depardon a travaillé avec une chambre photographique (ce sont ces appareils anciens sur pieds avec une couverture sombre sous laquelle se mettent les photographes pour prendre leurs images). Si le travail à la chambre ne permet pas la souplesse, la rapidité de déplacement et de réaction qu’offre le Leica, appareil préféré des reporters, il apporte une précision de prise de vue et un rendu conforme à 100 % à l’œil du photographe. Le viseur se trouve en effet très exactement installé à la place du photographe, épouse son « point de vue » ” ,
“Il faut imaginer Depardon, la dégaine lourde, décharger sa montrueuse chambre photographique du fourgon spécialement aménagé, la poser à bonne distance du sujet qu’il a au préalable traité au Polaroïd pour en vérifier la photogénie, mesurer le temps de pose à la cellule, s’enfouir la tête sous un voile rouge, presser la poire, doubler l’image en rechargeant le châssis d’un film vierge, recommencer l’opération, on n’est pas au bord d’un circuit, genre Bernard Asset, on fait dans le statique, genre Claude Monet. “
et on souligne les sacrifices que le photographe a du consentir pour réaliser ses images:
“durant cinq ans, dormant souvent dans son véhicule, sur des parkings de supermarché ou des places de village.”,
Imagine-t-on un critique rédigeant un papier sur les paysages d’un peintre en soulignant d’une part la banalité des lieux et d’autre part les efforts supposés par la réalisation de grandes toiles en pleine nature ?

Les commentaires dépréciateurs sont beaucoup plus élémentaires, sur le mode: Ces photographies sont banales parce que ce sont des photographies de lieux sans intérêt ou c’est sans intérêt parce que leur auteur n’a pas transfiguré le réel. “Quelle est la différence entre les photos de Depardon et certaines de qualité faites dans des clubs ? …/…
Autre façon de poser la question, est-ce que d’après vous ses photos évitent l’insolite sans pour autant être plates ?”

A la décharge des commentateurs, il faut préciser que le dispositif même de l’exposition fonctionne selon le même principe, avec une salle consacrée aux tirages, un couloir obscur permettant d’associer une légende aux images grand format vue dans la première salle, et enfin une salle regroupant le matériel de prises de vue, les cartes Michelins et les cahiers annotés de la main de Depardon construisant ainsi un récit sur le mode héroïque autour de la captation des images. Même la référence, très sommaire, à ses influences photographiques, Walker Evans et Paul Strand, relève plus de la citation que de la démonstration. Comme s’il fallait au travers de de l’évocation de ces photographes mythiques rassurer le visiteur sur le caractère artistique des photographies de Depardon.

Ces commentaires me font penser aux réaction que la photographie avait suscitée à sa naissance. Au milieu du XIXème siècle, on opposait encore la machine, à la main de l’homme. L’appareil photographique arrivait dans une société qui n’acceptait d’autre médiation que la main entre l’oeuvre et l’esprit de l’artiste. Là où la peinture était une reconstruction du réel dont les codes et la symbolique s’inscrivait dans l’histoire de notre civilisation, la photographie n’était en apparence qu’une reproduction mécanique et analogique du réel qui ne devait rien à l’art et tout à la technique et à une avancée scientifique.
Ingres a accueilli la photographie en déclarant : “Maintenant on veut mêler l’industrie à l’art. L’industrie nous n’en voulons pas. Qu’elle reste à sa place et ne vienne pas s’établir sur les marches de notre école d’Apollon, consacrée aux arts seuls de la Grèce et de Rome. “
Lamartine a déclaré en 1858: “La photographie cette invention du hasard qui ne sera jamais un art mais un plagiat de la nature par l’optique.”
Beaudelaire en faisant référence au succès foudroyant du portrait photographique au sein de la bourgeoisie du XIXème “cette classe des esprits non instruits et obtus qui jugent seulement des choses d’après leur contour”.
Et le pictorialisme, une des premières écoles photographiques, allait essayer d’ôter à la représentation photographique tout ce qu’elle pouvait avoir de mécanique en privilégiant l’intervention humaine, la main de l’homme, dans le résultat final et en simulant dans les images, la peinture et les eaux fortes.
Mais bon depuis 150 ans les choses ont quand même beaucoup évolué. Une photographie qui se revendique comme documentaire est désormais présente dans les musées. La conception que la société se fait de l’art et des artistes a également profondément évolué. Depuis “Fontaine” de Duchamp c’est l’artiste qui défini ce qui est une œuvre et ce qui n’en est pas une.

Et pourtant, les réactions suscitées par cette exposition nous montrent que la photographie reste toujours un peu suspecte, parce qu’elle est une reproduction mécanique et analogique du réel. Elle doute toujours un peu d’elle-même dès que l’objet de la représentation ou les procédés utilisés pour mettre en scène cette représentation ne lui donnent pas au premier regard un caractère exceptionnel, distinct de l’expérience sensible. Et même ceux qui ont été comme moi sensibles aux regard de Raymond Depardon, superbement mis en valeur par le dispositif de l’accrochage, se sentent obligés de justifier leur enthousiasme pour une photographie documentaire en évoquant le temps, les moyens et la sueur, comme si la contemplation de ces images ne suffisait pas à les distinguer des photographies réalisées par Monsieur tout le monde…

Le lien vers le site de la BNF

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